Die Grammys

Mar 29, 2023

Mit freundlicher Genehmigung von BMG

Interview

Reisen Sie durch die neueste Veröffentlichung der Kinks mit Sänger und Gitarrist Dave Davies, der die Geschichten hinter einigen seiner liebsten Deep Cuts erzählt – von „I'm Not Like Everybody Else“ bis „Wonderboy“.

„Wir verändern uns als Menschen täglich, daher ändern sich auch unsere Meinungen und Gefühle“, sagt Dave Davies mit einem sanften Lächeln. „Musik ist wie ein Gemälde: Wenn man sie an die Wand hängt, verbindet sie immer wieder verschiedene Dinge mit einem.“

Angesichts der vielen musikalischen Leben, die Davies geführt hat, ist er mit diesem sich entwickelnden Sinn für Bedeutung bestens vertraut geworden. Seit Davies 1963 gemeinsam mit seinem Bruder Ray die legendäre englische Rockband The Kinks gründete, hat er jeden Zentimeter seiner Seele und persönlichen Geschichte durch Lieder zum Ausdruck gebracht. Mit der jüngsten Veröffentlichung von „The Journey, Teil 1“ – der ersten von zwei karriereübergreifenden Kinks-Zusammenstellungen von Hits, B-Seiten und Favoriten – hatte Davies noch mehr Gelegenheit, neue Facetten der Erinnerungen und Gefühle zu entdecken, die er auf der ganzen Welt zum Ausdruck gebracht hat Jahrzehnte.

„Ich kann mir nicht vorstellen, was wir ohne Musik oder Kunst machen würden“, sagt er. Unzählige Fans auf der ganzen Welt haben es Davies zu verdanken, dass sie sich über diese traurige Möglichkeit keine Sorgen machen müssen.

Davies sprach mit GRAMMY.com über einige seiner Lieblingslieder aus „The Journey, Teil 1“, die mehr Liebe verdienen, den Einfluss der Lieblingsmusik seiner Eltern und Geschwister und die Lehren, die er aus der Diskographie der Kinks gezogen hat.

Ray war schon immer produktiv, aber das war eine besonders produktive Phase. Wir waren schon immer sozusagen visuelle Autoren. Die Musik ist sehr visuell. Es ist auch so etwas wie eine Familiensache. Vor einigen Jahren hatten wir sogar ein Album namens Think Visual.

Und selbst wenn ich an meine frühen Tage zurückdenke, als ich Eddie Cochran hörte, ist es eine sehr visuelle Musik, die Bewegung und die Worte. Es kann Sie wirklich in eine mentale Dimension dieser Zeit versetzen. Ray war ein Genie darin, über Dinge zu schreiben, die zu dieser Zeit passierten, auch wenn es manchmal so war, als würde man eine Speisekarte aus einem Diner recyceln. [Lacht] Es war alles fantastisch.

Ein Lied, das mir schon immer gefallen hat, ist „Dead End Street“. Das hat mir immer das Gefühl gegeben, dass unsere Familie dort herkommt. Das war mir schon immer sehr wichtig.

Ray und ich hängen offensichtlich sehr an unserer Familiengeschichte und unseren Familienmitgliedern. Viele Inspirationen kommen von Menschen aus unserer Familie oder von Menschen, die mit unserer Familie verbunden sind. Viele Erinnerungen fließen durch die Familie und durch Ereignisse. Wir hörten alles – Country-Musik, meine Mutter und mein Vater mochten viel Musik aus den 30er und 40er Jahren und meine Schwestern mochten Showmusik und Filmmusik wie „Oklahoma“, Musik von Tanzbands – einfach so sehr. Ray und ich hatten großes Glück, mit so vielen musikalischen Einflüssen aufzuwachsen.

Dieses Lied macht deutlich, woher wir als Menschen kommen. Ich hätte nie gedacht, dass ich wie alle anderen bin. Ray dachte immer, dass das ein Schlüsselsong für mich sein würde. Es sagt viel über die Kinks als Menschen aus. Ich habe immer festgestellt, dass die Kinks in dem, was wir als Künstler und Menschen taten, immer ein bisschen anders waren. Ich würde diesen Song als Empfehlung für die gesamte Compilation verwenden.

Ich spreche immer davon, dass „Wonderboy“ ein sehr übersehener Titel ist. Es geht viel tiefer und hat viel mehr Bedeutung, als den Leuten bewusst ist. Manchmal versuchen wir so sehr, Dinge zu bekommen, Dinge zu tun, und vielleicht ist es das Beste, uns direkt ins Gesicht zu starren.

[Musik] ist manchmal sogar ein großartiges Mittel, um auszudrücken, was man nicht weiß. Das deutet „Wonderboy“ an: Vielleicht liegt das, wonach wir suchen, vor uns … Es passiert jetzt alles. Du musst dich nicht so sehr anstrengen. Sie müssen sich nicht verrückt machen, um herauszufinden, was Sie im Leben tun müssen. Manchmal werden Menschen aus Freude, Staunen und ungewöhnlichen Gedanken in unser Leben geholt. Es ist wichtig, sich gegenseitig zu ermutigen und anderen Menschen zu helfen.

Ich hatte eine Zeit, in der ich dachte: Was zum Teufel machen wir da? Ich bin die ganze Zeit auf Partys gegangen und habe rumgehangen, und das hat mich dazu gebracht, darüber nachzudenken, was wir als Band gemacht haben. Es erinnerte mich daran, ein Zirkusschauspieler zu sein, ein Clown.

Ich denke, das Wichtigste war, dass wir nur eine normale Arbeiterfamilie waren. Ray hatte eine großartige Fähigkeit, das Leben auf eine etwas andere Art und Weise zu beobachten. Eigentlich tat es die ganze Familie. Als große Familie haben wir schon in jungen Jahren gelernt, dass Musik ein großartiges Mittel ist, um alltägliche Dinge positiv auszudrücken.

Das ist ein wirklich großartiger Rocker und es geht um eine Rock'n'Roll-Romanze. Ich liebe es, das live zu machen.

Das Remastering ist wirklich cool. Ich denke, sie haben beim Remaster für die Kompilation wirklich gute Arbeit geleistet. Ray hat den größten Teil des Remasterings beaufsichtigt, aber wir hatten alle unterschiedliche wichtige Phasen. Und BMG war eine große Hilfe. Es ist großartig, mit so einer Plattenfirma zusammenzuarbeiten. Es macht es ein bisschen anders.

„Days“ war im Laufe unserer Entwicklung als Band schon immer ein sehr wichtiger Titel für die Kinks. Dieses Lied hat so viele Kriterien erfüllt und es ist immer ein ergreifendes Musikstück, wenn wir es gespielt haben. Es kam zu einer Zeit heraus, als wir alle viele innere Veränderungen erlebten, emotionale Veränderungen, geschäftliche Veränderungen, Veränderungen im Leben – insbesondere Ray. Und dieses Lied würde immer eine Erinnerung an irgendeine Art von Verlust, aber auch an Verständnis hervorrufen.

Vielleicht sollten wir mehr über die Dinge nachdenken, bevor wir sie tun. Wir nehmen uns nicht immer die Zeit, Gefühle zu verstehen. Wir können unsere emotionalen Ideen nicht wegwerfen, weil wir ihre Tiefe nicht verstehen. Aber mit der Zeit können wir durch ein Lied, ein Gemälde, eine Person mehr herausfinden. Wirklich gute Musik, die man immer wieder hört und über die man nachdenkt.

Dieses Lied basiert wirklich auf einem Thema der Kindheitsliebe – eigentlich meiner ersten Liebe, die in der Schule war. Wir waren 15, lebten getrennt und unsere Eltern erlaubten uns nicht, uns zu sehen. Wenn Sie Lust haben, können Sie alles darüber in meiner Autobiografie nachlesen [lacht]. In „Mindless Child of Motherhood“ geht es darum, wie sie ein Baby bekam und wir keine richtige Familie werden konnten, all diesen schweren emotionalen Kram.

Es ist wie Poesie. Manchmal wird einem erst einige Jahre später klar, worum es geht. Das macht es interessanter. Kunst bietet eine Möglichkeit, die eigenen Gefühle auszudrücken, auch wenn man nicht genau weiß, was man meint. Es ist sehr tief in dir drin und manchmal erfährt man es erst später. Wir würden wirklich verrückt werden, wenn keiner von uns ein solches Ausdrucksmittel hätte. Das ist das Tolle am Rock'n'Roll in den frühen Tagen, als wir noch Kinder waren: Er war ein großartiges Mittel, uns auszudrücken. Wenn man jung ist, weiß man nicht immer, was man ausdrückt, aber manchmal reicht es, zu tanzen oder mit den Füßen zu stampfen. Wir können manchmal so viel aushalten, indem wir sehr wenig sagen.

„Living Legends: Dave Davies von The Kinks über den Zusammenbruch des 21. Jahrhunderts, das Entspannen in seinen Siebzigern und das Aufrühren des Topfes auf Twitter“

Foto: Peter Wafzig/Getty Images

Liste

Auf ihrem kürzlich veröffentlichten Album „But Here We Are“ bieten Dave Grohl und Co. ein packendes Geständnis sowohl über den schmerzlichen Verlust als auch über die glühende Widerstandskraft. Zu Ehren ihres 11. Albums greifen wir die zehn wichtigsten Titel der Foo Fighters noch einmal auf.

Foo Fighters – einer der wichtigsten Vertreter des zeitgenössischen Rocks – blickt auf eine fast mythische Geschichte zurück. Was 1994 nach dem verheerenden Ende von Nirvana als Ein-Mann-Band von Dave Grohl begann, hat sich zu einer bahnbrechenden Maschine entwickelt, deren Katalog sich über drei Jahrzehnte erstreckt.

Die Gruppe hält derzeit den Rekord für die meisten GRAMMY-Gewinner in der Kategorie „Bestes Rockalbum“ und erhielt Auszeichnungen im Jahr 2000 (There Is Nothing Left to Lose), 2003 (One By One), 2007 (Echoes, Silence, Patience & Grace). 2012 (Wasting Light) und 2022 (Medicine at Midnight). Bei den GRAMMY Awards 2023 gewann Medicine at Midnight außerdem Auszeichnungen für die beste Rockperformance („Making a Fire“) und den besten Rocksong („Waiting on a War“).

Ihr kürzlich veröffentlichtes 11. Studioalbum „But Here We Are“ ist das erste Projekt der Band nach dem Tod des Schlagzeugers und Sängers Taylor Hawkins im letzten Jahr. Musiker und Fans auf der ganzen Welt trauerten um Hawkins, der 1997 den Foo Fighters beitrat und zu einer treibenden kreativen Kraft in der Gruppe werden sollte. Tributkonzerte in London und Los Angeles, präsentiert von der Familie Hawkins in Zusammenarbeit mit Foo, waren eine würdevolle Hommage an sein Vermächtnis.

Grohl und Co. haben es geschafft, ihre kollektive Trauer auf „But Here We Are“ zu überwinden. Das Projekt dient als packendes Bekenntnis sowohl zum schmerzhaften Verlust als auch zur glühenden Widerstandskraft. Zu Ehren ihres neuesten Unterfangens listet GRAMMY.com 10 der wichtigsten Tracks der Foo Fighters auf.

Das Debütalbum der Foo Fighters erschien ein Jahr nach Kurt Cobains Tod und war voller Versprechen. „Der Verlust von Kurt war weltbewegend und ich hatte Angst vor der Musik, nachdem er gestorben war“, sagte er Anderson Cooper während einer Folge von „60 Minutes“ im Jahr 2014.

Obwohl Grohl darauf beharrte, dass die Platte nur ein Ausdruck der Trauer war, markierte sie den Beginn seiner illustren Karriere. „Big Me“, die letzte zuckersüße Single des Projekts, bewies, dass der Schlagzeuger, der zum Frontmann wurde, ein Händchen dafür hatte, eingängige Melodien zu kreieren, die unbestreitbare Hits werden würden.

Der kitschige Charakter des Titels war darauf zurückzuführen, dass Grohl nicht viel über das Album nachgedacht hatte, aber dieser an sich einfache Ansatz – der sich im Video des Songs niederschlug, das bekanntermaßen Mentos-Werbespots parodierte – war der Beginn von etwas Großartigem.

Einer der bisher aufregendsten Momente der Foo Fighters ist ein Liebeslied. „Everlong“, die zweite Single aus dem zweiten Album der Band, zieht die Zuhörer mit ihren sanften, melodischen Akkorden in ihren Bann und fesselt ihre Aufmerksamkeit mit glühender Percussion und herzzerreißender Lyrik.

Bei „Everlong“ geht es darum, mit einem romantischen Partner so im Einklang zu sein, dass das Ende dieser Beziehung völlig niederschmetternd ist. „Komm runter und verkümmere mit mir“, singt Grohl gelassen. „Down with me/Slow, how you want it to be/I'm over my head/Out of her head, sang sie.“ Er führte es 1998 zum ersten Mal akustisch in „The Howard Stern Show“ auf, was laut Grohl während eines Auftritts beim Oates Song Fest 7908 „dem Lied eine völlig neue Wiedergeburt verlieh“.

„Breakout“ erschien auf dem dritten Album der Band, „There Is Nothing Left To Lose“, und ist voller wilder Punk-Energie, die Grohls Grunge-Wurzeln zum Ausdruck bringt. Während Kritiker das Album lobten und die bemerkenswerte Weiterentwicklung der Foos hin zu melodischeren Hymnen bemerkten, bleibt dieser schnelle, schnelle Hit dem Hype würdig, den er vor über 20 Jahren erhielt.

Der Titel erschien auch in der Komödie Me, Myself & Irene aus dem Jahr 2000 mit Jim Carrey in der Hauptrolle, und mehrere seiner Stars erscheinen im Musikvideo. There Is Nothing Left To Lose war auch die Inspiration für den Radiohit „Learn To Fly“, der im Jahr 2000 den GRAMMY Award für das beste Musikvideo in Kurzform gewann.

Das vierte Studioalbum der Foo Fighters markierte eine turbulente Zeit in der Bandgeschichte. Abgesehen von persönlichen Problemen hatte Grohl gerade Schlagzeug für „Songs for the Deaf“ der Queens of the Stone Age aufgenommen und schloss sich der Gruppe für eine anschließende Tournee an.

Während das Schicksal von Foo unbekannt blieb, gab ein triumphaler Auftritt beim Coachella im Jahr 2002 den Mitgliedern eine neue Perspektive auf ihre Zukunft. „‚Times Like These‘ handelte im Wesentlichen davon, dass die Band für diese zwei oder drei Monate verschwand und ich das Gefühl hatte, nicht ganz ich selbst zu sein“, erklärte Grohl in der Dokumentation „Back and Forth“ der Gruppe aus dem Jahr 2011. „Ich dachte nur: ‚Okay, ich bin noch nicht fertig damit, in der Band zu sein. Ich weiß nicht, ob sie es sind, aber ich bin es nicht.‘“

Mit seiner lyrischen Einfachheit und lähmenden Aufrichtigkeit („In Zeiten wie diesen lernt man wieder zu leben/In Zeiten wie diesen gibt man immer wieder“) verkörpert das Lied Liebe, Zusammengehörigkeit und Hoffnung.

„Ich muss noch ein Geständnis machen/Ich bin dein Narr“, heult Dave Grohl lauthals beim fesselnden Anfang von „Best of You“. Auf seine Erklärung folgt die existentielle These: „Wurdest du geboren, um Widerstand zu leisten oder missbraucht zu werden?“

Die Lead-Single von „In Your Honor“ ist voller Emotionen, in der der Foo-Frontmann lebhaft trotzig ist und diejenigen, die seinen Worten zuhören, dazu ermutigt, dasselbe zu tun. Dieses Gefühl war politisch motiviert, da „Best of You“ geschrieben wurde, nachdem Grohl mehrere Auftritte im Präsidentschaftswahlkampf der Demokraten für John Kerry im Jahr 2004 hatte.

„Es ist kein politisches Album, aber was ich gesehen habe, hat mich inspiriert“, sagte er 2005 dem Rolling Stone. „Es geht darum, sich von den Dingen zu lösen, die einen einengen.“ „Best of You“ ist ihr einziger Song in den USA, der Platinstatus erreicht hat.

Einer der Songs mit den höchsten Charts der Gruppe war „The Pretender“ aus „Echoes, Silence, Patience & Grace“ aus dem Jahr 2007. Grohls Songwriting auf dem Track hat makabere Ausmaße, da einleitende, feierliche Akkorde in den Text übergehen: „Send in your Skeletons/Sing as Their Bones Go Marching In Again/They Need You Buried Deep/The Secrets That You Keep Are Ever Ready.“ "

Härtere Riffs und pulsierende Percussion machen es zu einem echten Hörerlebnis. Perfekt getaktete Crescendos verleihen „The Pretender“ genau die richtige Spannung und machen es zu einem unauslöschlichen Teil der Foo-Diskographie.

Im Jahr 2012 erhielt Wasting Light vier GRAMMY Awards, darunter den Preis für das beste Rockalbum. „White Limo“ erhielt die Auszeichnung für die beste Hard Rock/Metal-Performance – und das aus gutem Grund.

Die zweite Single aus dem siebten Studioalbum der Foo Fighters ist eine wilde Nummer voller Urschreie und wirbelnder Rhythmen. „White Limo“ war einer ihrer lautesten Songs bisher und die Gruppe hinterlässt bei Motörhead ihren besten Eindruck (Lemmy Kilmisters Auftritt im Musikvideo dient als ultimatives Gütesiegel). Die Gruppe war bestrebt, ihre Aggressivität auf dem Heavy-Metal-Track zu maximieren und „White Limo“ zum klanglichen Äquivalent eines Blitzes in ihrem riesigen Katalog zu machen.

Bei „Concrete and Gold“ von 2017 ging es nicht so sehr darum, das Rad neu zu definieren, sondern vielmehr darum, es zu perfektionieren. Das neunte Studioalbum der Gruppe ist Rock'n'Roll, wie es nur geht.

Es gab eine Reihe unvergesslicher Gastauftritte, darunter Paul McCartney in „Sunday Rain“, Shawn Stockman von Boyz II Men in „Concrete & Gold“ und Alison Mosshart von den Kills in „The Sky Is a Neighborhood“ und „La Dee Da“.

Der beste Titel des Albums, „Make It Right“, enthält einen nicht im Abspann aufgeführten, klanglich abstoßenden Cameo-Auftritt von Justin Timberlake. Doch der Vorstoß der Zusammenarbeit in schwierigeres Terrain zahlt sich aus, denn Grohl zollt Led Zeppelin Respekt. Der Einfluss der Rocklegenden spiegelt sich in „Make It Right“ in Form von rauhen Sticheleien und splitternden Riffs wider. Timberlake schleicht sich mit zusätzlichem Gesang in den Hintergrund und achtet darauf, Foos Formel in keiner Weise zu verändern.

Das zehnte Album der Foo Fighters, Medicine at Midnight, war für die Rocker eine erfrischende Rückkehr zur Form.

Ausgelöst durch ein Gespräch von Grohls Tochter verkörperte „Waiting on a War“ die Nachdenklichkeit der Gruppe über die bedrohliche Zukunft Amerikas. Vier Minuten lang erklärt Grohl, dass er „darauf wartet, dass der Himmel fällt“, obwohl sich seine melancholischen Gedanken schließlich von wehmütigem Gesänge über Akustikgitarrenakkorde in ein grollendes, wildes Outro mit voller Kehle verwandeln. Foos mutiger Ansatz brachte ihnen 2022 einen GRAMMY Award für den besten Rocksong ein.

Die Kraft in „Rescued“, der emotionsgeladenen ersten Single von But Here We Are, beruht nicht nur auf den Texten, die das Gefühl der Verzweiflung zum Ausdruck bringen, sondern auch auf Grohls Ausdrucksweise.

„Wir sind alle bis zu einem gewissen Grad frei/um unter den Lichtern zu tanzen“, singt er. „Ich warte nur darauf, gerettet zu werden/mich wieder zum Leben zu erwecken.“ Seine Stimme schwankt zwischen Müdigkeit und Kraft, während wirbelnde Gitarren und ätherische Ansammlungen sowohl für die Band als auch für den Zuhörer Katharsis bewirken. Die Verletzlichkeit von „Rescued“ spiegelt das faszinierende Selbstbewusstsein wider, das auf Alben wie „The Color and The Shape“ und „In Your Honor“ zu hören ist. Aber dieses Lied stellt ein brandneues Kapitel für Foo dar und stellt ihren Schmerz direkt dar.

Foo Fighters sind ein unzerstörbarer Musik-Moloch. Aber der Tod von Taylor Hawkins zeigt, dass sie auch Menschen sind.

Foto: Caity Krone

Interview

Während Lizzy McAlpine den US-Teil ihrer Tour beendet, blickt die „Ceilings“-Sängerin darauf zurück, wie ihr Song viral ging, wie sie in „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ auftrat, als Headliner einer ausverkauften Tournee auftrat und bei einem großen Plattenlabel unterschrieb .

Lizzy McAlpine ist eine erfahrene Geschichtenerzählerin, die für ihr offenes und sympathisches Songwriting in Genres von Pop bis Indie-Folk bekannt geworden ist. „Während ich als Songwriterin gewachsen bin und mich weiterentwickelt habe, konnte ich die Verletzlichkeit etwas mehr durchscheinen lassen und habe weniger Angst davor, genau zu sagen, was mir durch den Kopf geht“, sagt sie aus Los Angeles über einen Zoom-Anruf.

Offenbar schätzen die Zuhörer ihre Ehrlichkeit.

Seit der Veröffentlichung ihres ersten Albums „Give Me A Minute“ im Jahr 2020 hat McAlpine Hunderte Millionen Zuhörer zu treuen Fans gemacht. Nach der Veröffentlichung ihres zweiten Albums „Five Seconds Flat“ scheint ihre Popularität sprunghaft angestiegen zu sein. Ihr Hit „Ceilings“ erreichte Platz 54 der Billboard Hot 100-Charts, erreichte 230 Millionen Streams und kletterte auf Spotify, wurde mit Gold ausgezeichnet und inspirierte zu einer TikTok-Challenge, die zu über 742.000 Posts mit einer beschleunigten Version des Songs führte . Sie trat kürzlich in „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ auf und unterschrieb bei RCA Records. Die zweite Etappe ihrer Tournee war sofort ausverkauft.

„Obwohl die Erfahrungen, die wir alle machen, universell sind, kann es sich im Moment isolierend anfühlen“, sagt der 23-jährige in Philadelphia geborene Musiker. „Ich hoffe, dass sich die Menschen durch das Hören meiner Lieder weniger allein fühlen und eine gesunde Möglichkeit haben, ihre Gefühle auszudrücken.“

Mit ihrer sanften, aber stetigen Stimme singt McAlpine von einem Ort aus, an dem sich die meisten von uns am wenigsten wohl fühlen – einem Ort der Unsicherheit, des Widerspruchs und der Entdeckung – was sich in Zeilen wie „Es ist nicht so, dass ich dich hasse, ich hasse es, dass es weh tat“ widerspiegelt. und „Ich habe versucht, ehrlich zu sein, aber jetzt denke ich, ich hätte einfach lügen sollen.“ Instrumental ist „Five Seconds Flat“ mit elektronischen Elementen, Streichern, Gitarre, Klavier, Schlagzeug und Hörnern überlagert. Doch McAlpine möchte sich nicht in eine Stil-Schublade stecken lassen: „Meine Alben spiegeln nur wider, wer ich zu dieser Zeit bin.“

Nach Abschluss einer 27 Shows umfassenden internationalen Tournee am 11. September wird McAlpine zurück ins Studio gehen, um an ihrem dritten Album weiterzuarbeiten – und an neuen Zielen zu arbeiten, einschließlich der Rückkehr zur Schauspielerei auf der Bühne oder auf der Leinwand („Ich werde es buchstäblich nehmen „irgendetwas. Ich vermisse es so sehr“), den Aufbau einer Welt rund um ihr kommendes Album durch Visuals und Fanerlebnisse und den Kauf eines Hauses. Aber zuerst besprach sie mit GRAMMY.com ihre jüngsten Karrierehöhepunkte.

Ich war auf jeden Fall überrascht. Ich erwarte nicht, dass einer meiner Songs virale Momente hat. Wenn es passieren wird, wird es passieren, und ich werde es nicht verfolgen oder versuchen, es möglich zu machen. Außerdem war dies keine Single, sondern nur auf dem Album, und daher hatte ich definitiv nicht erwartet, dass dieser Song bei den Leuten so großen Anklang finden würde wie er.

Ich versuche, einfach über Dinge zu schreiben, die mir passiert sind. Anscheinend ist es universell – ich habe Dinge durchgemacht, die jeder durchzumachen scheint, und ich habe sie in Worte gefasst. Ich denke ständig über meine Gefühle nach. Ich schreibe ständig Tagebuch; Ich muss über ein Gefühl schreiben, bis ich es verstehe. Das gehört für mich auch zum Songwriting. Es geht darum, über Dinge zu schreiben, die ich erst verstehe, wenn ich sie verstehe. Und ich habe das Gefühl, dass sich viele Menschen damit identifizieren.

Ich mache keine verrückten Erfahrungen, die noch niemand zuvor in seinem Leben gemacht hat. Ich neige einfach dazu, Wege zu finden, über die Dinge zu sprechen, die ich erlebt habe, manchmal Gefühle, die schwer in Worte zu fassen sind, und auf eine Weise, über die nicht viele Menschen gesprochen haben. Ich denke, die Menschen verbinden sich mit der Realität und der Ehrlichkeit.

[Den „Decken“-TikTok-Trend zu bemerken] war für mich eine allmähliche Sache. Ich kann mich nicht erinnern, welches Video ich zuerst gesehen habe, aber ich sah, wie der beschleunigte Ton auf TikTok ein wenig Anklang fand, und dann fing ich an, mir die Videos anzusehen, und von da an ging es wie ein Schneeball. Ich hatte es nicht erwartet. Es war wild.

Ich war schon früher in der Welt der Late-Night-Talkshows dabei, aber dies war die erste Talkshow-Erfahrung seit mindestens einem Jahr, die ich hatte. Ich hatte so viel Spaß. Ich werde nervös, bevor ich irgendwo auftrete; Es spielt keine Rolle, wer zuschaut. Aber ich war überhaupt nicht so nervös. Jimmy war so nett. Wir haben den Teil gemacht, wir haben ihn gefilmt. Und am Ende sagte er: „Lassen Sie es mich wissen, wenn Sie sich die Mixe noch einmal anhören möchten. Wir möchten sicherstellen, dass es Ihnen gefällt.“ Es hat einfach Spaß gemacht, am Set zu sein und den Song einem echten Publikum vorzuführen.

Ich würde nicht sagen, dass dies der Wendepunkt auf dem Weg zu größerer Anerkennung war. Ich kann keinen genauen Zeitpunkt benennen, an dem die Veränderung begann, aber es war immer ein allmähliches, bergauf verlaufendes Wachstum, und das ist es, was ich möchte. Ich strebe nicht danach, über Nacht Erfolg zu haben. Ich möchte eine langfristige Karriere. Deshalb versuche ich, es schrittweise und mit Absicht aufzubauen. Das war ein Schritt auf dem Weg.

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Zuerst war ich völlig davon überzeugt, dass alle Tickets von Bots oder Betrügern oder so etwas gekauft wurden und dass sie auf keinen Fall so schnell ausverkauft sein konnten. Ich war erst überzeugt, als ich bei der ersten Show die Bühne betrat und echte Menschen im Publikum sah. Es war surreal.

Da dies insbesondere die zweite Etappe der Fünf-Sekunden-Flat-Tour ist, wollten wir sie von der ersten Tour unterscheiden, damit die Leute, die ein zweites Mal kommen, nicht das Gleiche bekommen. Und wir wollten es auch produktionstechnisch verbessern, weil wir jetzt über die Mittel dazu verfügen. Wir haben ein ganzes Set. Wir haben Wände und eine Couch. Wir haben Beleuchtung. Es fühlt sich im Grunde wie ein Wohnzimmer an, das war mein Entwurf und ich wollte, dass es sich heimelig und intim anfühlt, weil das meine Atmosphäre ist. Ich interagiere mit den Möbeln und Lampen und bewege mich im Set. Ich bin mir ziemlich sicher, dass bei der letzten Tour nur ein Teppich auf der Bühne stand – und das war’s. Aber das ist alles, was wir uns leisten konnten. Jetzt fängt es an, sich wie eine echte Produktion anzufühlen.

Es gibt für mich viele herausfordernde Teile des Tourens. Meine Tasse ist schon ziemlich leer – ich habe nicht viel soziale Energie. Das Reisen kostet mehr, und dann noch mehr das Aufführen, so dass ich am Ende des Tages, jeden Tag, nichts mehr übrig habe. Wenn ich einmal auf der Bühne stehe, ist es manchmal einfach, in diese Art des Auftritts zu wechseln. Aber danach ist es hart für meinen Geist und meinen Körper.

Es ist zwar schwer, aber es gibt offensichtlich lustige Momente. Ich liebe mein Team so sehr. Meine Band und die Crew sind so nett und es macht so viel Spaß, mit ihnen zusammen zu sein. Meine schönsten Momente auf der Tour waren bisher mit ihnen.

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Abgesehen davon, dass die Tour dieses Mal ein höheres Niveau erreicht, scheint dies auch der richtige Zeitpunkt zu sein, zu einem Major-Label zu wechseln. Ich hatte kurz vor Ablauf der fünf Sekunden darüber nachgedacht, wollte aber noch etwas länger durchhalten. Dieses Album schien nicht das richtige Album für einen Major zu sein. Es war eine Bauchsache. Und jetzt habe ich das Gefühl, dass ich am Rande von etwas stehe und diese Entscheidung, bei RCA zu unterschreiben, treibt mich definitiv dazu.

Ich möchte in meinem Leben und meiner Karriere viele Dinge tun und erreichen. Dies ist ein Schritt in Richtung all dieser Ziele. Ich war bereit, diesen Schritt zu tun.

Ich arbeite an meinem dritten Album und es hat lange gedauert, aber es ist endlich auf dem Weg. Alle meine Alben werden anders klingen, weil ich immer ein anderer Mensch sein werde, wenn ich sie mache. Wer ich jetzt bin, tendiert mehr zu 70er-Jahre-inspirierten Klängen wie Elliott Smith and the Smiths und solchen Künstlern. Eine große Inspiration für dieses Album ist Andy Shauf – seine Musik ist unglaublich. Ganz nach 70er-Jahre-Sound, live, rauer und weniger gestimmt und perfektioniert. Ich möchte, dass sich das nächste Album authentischer anfühlt. Nicht, dass meine bisherigen Sachen nicht authentisch geklungen hätten, aber ich tendiere eher zu einem weniger sauberen, weniger ausgefeilten Klang.

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Foto: Le3ay

Interview

Drei Jahre später begann Madison Beer ihr nächstes Kapitel mit „Home to Another One“, der ersten Single aus ihrem zweiten Album. Die Sängerin beschreibt detailliert ihren „befreienden“ Weg zur Entstehung von „Silence Between Songs“.

Im heutigen viralen Zeitalter ist es nicht immer schwer, Internet-Persönlichkeiten zu finden. Aber was nicht so leicht zu finden ist, ist eine Internet-Persönlichkeit mit Langlebigkeit – und Madison Beer hat bewiesen, dass sie mehr als ein flüchtiger viraler Star ist.

Beer begann 2012 damit, Cover-Songs auf YouTube zu veröffentlichen und stellte damit bereits im Alter von nur 13 Jahren ihr Pop-Können und ihren ätherischen Gesang unter Beweis. Nachdem Justin Bieber sie im selben Jahr bei Island Records unter Vertrag genommen hatte, schlug sie kurzzeitig die Karriere eines Teenie-Popstars ein, fand sie aber zunächst wahre musikalische Stimme auf ihrer Debüt-EP As She Pleases aus dem Jahr 2018. Und als sie mit ihrem Debütalbum „Life Support“ aus dem Jahr 2021 die volle Kontrolle übernahm – als Co-Autorin und Co-Produzentin aller 17 Songs –, gewöhnte sie sich voll und ganz an die Künstlerin Madison Beer.

Beer steht nun kurz vor der Veröffentlichung ihres zweiten Albums „Silence Between Songs“ (erscheint am 15. September über Epic Records) und möchte die Mischung aus unerschütterlicher Verletzlichkeit und ansteckenden Melodien, die sie seit ihrem Einstieg in die eigene Welt zeigt, weiter ausbauen. Einen Vorgeschmack darauf gab sie zum ersten Mal mit „Home to Another One“, einem luftigen Track, der eine Mischung aus Lana Del Rey und Tame Impala ist – zwei ihrer größten Inspirationen, von denen ersterer Beer sogar Feedback zum Album gab.

Del Reys Zustimmung ist einer der vielen Gründe, warum Silence Between Songs für Beer etwas Besonderes ist, zusammen mit der Tatsache, dass sie erneut jeden Song mitgeschrieben und mitproduziert hat. Aber der vielleicht wichtigste Aspekt des Projekts ist die Freiheit, die sie in dem fast dreijährigen Prozess gefunden hat.

„Als Künstler wird uns manchmal gesagt, wenn wir eine Pause machen, wird dich jemand ersetzen, jemand kommt direkt hinter dich“, sagt Beer. „Ich abonniere das nicht mehr, und ich denke, das war eine wirklich befreiende Sache.“

Beer sprach mit GRAMMY.com darüber, wie die stärkere Verwurzelung in ihrem Privatleben die neue Musik inspirierte und warum sie trotz ihres Online-Ruhms „eigentlich manchmal ziemliche Angst vor dem Internet hat“.

Herzlichen Glückwunsch zur Veröffentlichung von „Home to Another One“ und zur Albumankündigung. Ich stelle mir das nervenaufreibend vor, weil man nie wirklich sicher ist, wie die Dinge wahrgenommen werden. Wie ist es, endlich alles rauszubringen?

„Home to Another One“ habe ich eigentlich erst vor sechs Monaten gemacht, es war also eine der letzten Ergänzungen zum Album, bevor ich es abgegeben habe. Es war kein allzu schmerzhafter Warteprozess wie bei den anderen. Aber ich denke, die Enthüllung des Albumtitels war für mich tatsächlich die intensivste. Ich sitze seit drei Jahren daran, daher fühlt es sich ziemlich surreal an, es da draußen zu haben. Aber die Reaktionen der Leute waren wirklich positiv und die Leute sind aufgeregt, wofür ich so dankbar bin.

Es ist ein etwas neuer Sound für mich; Es hat eine andere Energie als meine anderen Lieder. Aber die echten Fans, die sich meine Interviews anhören oder mich auf Tour sehen, wissen, dass mein Musikkatalog an Dingen, die ich höre, ziemlich elektrisierend oder anders ist; Es gibt nicht nur ein Genre, das ich liebe. Ich kann nichts tun, was sie wirklich überraschen würde, weil sie wissen, dass ich alle Arten von Musik liebe.

Albumtitel und Titel im Allgemeinen sind immer schwierig. Erzähl mir, wie du auf Silence Between Songs gekommen bist?

Ich war noch sehr jung, als ich zum ersten Mal ein Gedicht oder ein Buch über eine solche Idee sah. Es ging darum, jemanden zu vermissen, und es hieß: „Ich vermisse dich so sehr in der Zeit, die es braucht, bis das nächste Lied beginnt.“

Ich fand das immer ein cooles Konzept und wollte diese Idee für mein Debütalbum umsetzen. Aber als wir 2020 mit der Erstellung des Albums begannen, war der Song „Silence Between Songs“ einer der ersten, den wir kreierten, also war es der erste Titel, den ich im Sinn hatte. Daran haben wir gearbeitet, und jetzt, drei Jahre später, hat es für mich die richtige Bedeutung. Ich bin so sehr gewachsen, seit ich angefangen habe, daran zu arbeiten, und auf dem Album geht es wirklich darum, wie man wachsen kann, indem man den Lärm ausblendet.

Es ist ein Beweis für den Titel, dass Sie drei Jahre lang dabei geblieben sind und nichts ihn überholt hat. Wie haben Sie festgestellt, dass Sie sich beruhigen und den Lärm ausblenden können?

Auf jeden Fall ist der Titel seitdem für mich nicht mehr verhandelbar. Aber nach der Tour fällt es mir schwer, abzuschalten und zur Ruhe zu kommen. Es fiel mir tatsächlich schwer, von meiner letzten Tour zurückzukommen und in die Realität zurückzukehren; Du bist einfach so wahnsinnig beschäftigt und es ist jeden Tag so ein Dopaminstoß. Es war ein bisschen schwierig, wieder zur Ruhe zu kommen, aber in diesen Momenten lerne ich am meisten über mich selbst.

Jetzt priorisiere ich meine Zeit alleine und meine Ausfallzeiten; Ich lasse meinen Körper ruhen und fühle mich nicht gezwungen, ständig rauszugehen und Dinge zu tun. Wenn ich das ganze Wochenende zu Hause bleiben und im Bett entspannen möchte, mache ich das. Ich versuche die Ausfall- und Ruhezeiten zu verstehen und mich nicht schuldig zu fühlen.

Als Künstler wird uns manchmal gesagt, wenn wir eine Pause machen, wird dich jemand ersetzen, jemand kommt direkt hinter dich. Ich abonniere das nicht mehr und ich denke, das war eine wirklich befreiende Sache.

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Hatten Sie deshalb das Gefühl, Sie müssten weitermachen?

Ich glaube, in der Vergangenheit kam es darauf an, ob die Leute, mit denen ich zusammengearbeitet habe, oder die Leute online waren; Diese Vorstellung, wer immer bereit sein wird, mehr zu tun als man und alles tun wird, und wenn man das nicht tut, wird man ersetzt. Das war eine echte Angst, die ich schon lange hatte. Das lasse ich aber nicht mehr zu. Ich wurde von einem Label gestrichen und ersetzt, die Angst ist also real und ich hatte lange Zeit große Angst davor. Aber ich bin es nicht mehr.

Haben Sie manchmal Angst, zu viel oder zu wenig von sich preiszugeben? Für einen Künstler mag zu viel wie übermäßiges Teilen erscheinen; aber zu wenig, Sie sind nicht ganz ehrlich. Wo ist für Sie das Gleichgewicht und wie haben Sie es geschafft?

Es ist auf jeden Fall interessant, darüber zu diskutieren, denn in der heutigen Zeit der sozialen Medien stehen viele von uns unter dem Druck, sympathisch und sympathisch zu sein. Aber auch hier mache ich mir keinen solchen Druck, denn ich glaube, dass ich nicht der Typ Mensch bin, der jeden Tag aufwacht und das Bedürfnis verspürt, ein Video über diese persönlichen Dinge zu machen. Ich bin bereit, es zu tun, wenn ich Lust dazu habe, aber ich halte es für unecht, mich dazu zu zwingen, nur um gemocht zu werden. Deshalb versuche ich, einfach zu posten, wenn mir danach ist. Ich denke, meine Fans kennen mich und meine Fans lieben mich. Ich muss nicht die Herzen der breiten Öffentlichkeit gewinnen, um meine Musik bekannt zu machen und anzunehmen. Ich möchte mich nie dazu zwingen, etwas zu tun, was ich nicht tun möchte.

„Home to Another One“ ist eine melancholische Hymne mit Breakdown. Ich frage mich, was die Entstehung dieses Liedes war?

Nun, ich dachte: „Was ist mein Pop-Sound?“ Wenn ich in der Vergangenheit fröhliche Songs gemacht habe, waren sie für mich vielleicht nicht so authentisch, oder Songs, die ich nicht ins Auto gesetzt hätte und die ich mir nicht anhören wollte. Also dachte ich: „Was kann ich machen, das poppig ist und Spaß macht, aber trotzdem ich selbst bin und nicht ausverkauft ist, um einen Song zu machen, der als optimistisch eingestuft wird?“

Als ich es hörte, erinnerte es mich stimmlich so sehr an Lana Del Rey. Wäre das fair zu sagen?

Definitiv. Ich bin ein riesiger Fan von ihr und ich habe das Gefühl, dass sie auf eine Weise in mich integriert ist, die ich nicht einmal genau beschreiben kann.

Wenn Sie als Co-Produzent Musik schreiben, wissen Sie dann von Anfang an, wohin sich Ihre Songs stilistisch entwickeln werden? Was ist Ihr Prozess?

Ich bin Co-Produzent aller Songs, was ein weiteres großartiges Unterfangen von mir war. Ich habe das Glück, mit meinem großartigen Produzenten Leroy Clampitt zusammenzuarbeiten, der bereit und wirklich begierig ist, meine Meinung zu hören, und möchte, dass ich alles mitproduziere.

Es ist nicht wirklich kalkuliert, glaube ich. Es fließt einfach wirklich. Es ist irgendwie schade, dass wir bei der Produktion keine Kamera im Raum hatten, denn ich war wirklich in jedes einzelne Geräusch verwickelt, das man hört. Meine Beziehung zu Leroy ist wirklich etwas Besonderes, weil ich ein Geräusch machen kann wie „mmmm“, und er weiß, was ich meine. Alles ist sehr sorgfältig geplant, aber es heißt nicht: „Ich will diese Art von Synthesizern.“ Wir lassen das Lied fließen. und bauen, während wir gehen.

Viele Künstler gelten als Co-Autoren von Songs, aber nicht viele werden als Co-Produzenten bezeichnet. Warum war es für dich wichtig, als Co-Produzent deiner eigenen Tracks genannt zu werden?

Da ich jetzt seit mehr als fünf Jahren mit demselben Produzenten arbeite, habe ich das Gefühl, dass ich meine Meinung äußern kann und es nicht seltsam ist. Leroy war derjenige, der so freundlich war zu sagen, dass er meinte, ich sollte einen Co-Produzenten-Kredit bekommen. Er sagte: „Du hast genauso viel getan wie ich.“ Alle Ideen stammen von mir und uns, und wir machen alles gemeinsam.

Ihr Debütalbum erschien vor ein paar Jahren und Sie haben 2020 mit der Arbeit daran begonnen. Warum ein so langer Prozess?

Es sollte nicht sein. Die Zeit vergeht einem, und ich bin auf jeden Fall oft ins Studio zurückgekehrt, um Dinge zu überarbeiten und zu bearbeiten. Wir hatten mehrere Probepressungen der Vinylplatte, und oft dachte ich, sie sei fertig, und ging dann wieder hinein.

Ich weiß nicht, ich habe das Gefühl, dass ich so bin. Ich bin nie wirklich übermäßig zufrieden. Aber mein Ziel ist es jetzt, innerhalb des nächsten Jahres oder so nach der Veröffentlichung dieses Albums ein Album herauszubringen. Ich möchte in den Rhythmus kommen, die Musik häufiger fallen zu lassen und keine dreijährigen Pausen zwischen all dem einzulegen.

Sie haben eine enorme Internetpräsenz, allein auf Instagram haben Sie 34 Millionen Follower. Ist eine solche Gefolgschaft ein Geschenk oder eine Belastung? Wie kommen Sie im Kopf damit zurecht, wenn Sie wissen, dass Sie zum Telefon greifen und etwas für ein Millionenpublikum posten können?

Ich habe seit 12 Jahren stetig an Blüten zugenommen, also ist das bei mir nicht über Nacht passiert. Es gibt einen großen Unterschied in der Art und Weise, wie ich heute vorgehe, im Vergleich zu vor ein paar Jahren. Ich zwinge mich nicht dazu, ständig engagiert zu sein oder jeden Tag etwas zu posten.

Ich habe tatsächlich manchmal ziemliche Angst vor dem Internet. Die Art und Weise, wie es sich bewegt, kann wirklich beängstigend sein, und ich denke, wir geben uns gegenseitig keinen Raum für menschliche Fehler. Wenn ich online eine Meinung kundgebe oder etwas sagen möchte, ist es mir nicht egal, was die Leute dazu sagen, aber ich weiß, dass es meine Absichten sind. Ich werde nie jeden ansprechen und jedem gefallen, aber ich weiß, dass es authentisch ist und von einer guten Seite kommt, wenn ich sprechen und etwas mitteilen möchte.

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Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Mathew V

Video

Der aufstrebende Jazz-Pop-Sänger Mathew V interpretiert Ray Charles‘ „Georgia on My Mind“, einen der vielen klassischen Hits, die er auf seinem neuesten Album „Anything Goes“ gecovert hat.

Vor über 60 Jahren hielt die Musiklegende Ray Charles Georgia mit einem unvergesslichen Cover des Originalsongs von Hoagy Carmichael in Erinnerung – er landete zu Recht an der Spitze der Billboard-Charts und gewann bei den GRAMMYs 1961 zwei goldene Grammophone.

„Ich sagte, Georgia, oh, Georgia/ No Peace I Find/ Just an old, sweet song/ Keeps Georgia on my mind“, singt Charles im Refrain des Liedes. „Andere Arme strecken sich nach mir aus/ Andere Augen lächeln zärtlich/ Dennoch sehe ich in friedlichen Träumen/ Der Weg führt zurück zu dir.“

In dieser Folge von ReImagined präsentiert der aufstrebende Popsänger Mathew V seine Interpretation von „Georgia on My Mind“. Obwohl Mathew V Charles‘ Originalaufnahme treu bleibt, macht er den Song mit seinem sanften Gesangston und seinen agilen Läufen zu seinem eigenen.

„Georgia on My Mind“ ist einer der vielen Songs, die Mathew V in seinem neuesten Projekt Anything Goes gecovert hat, das auch jazzige Neuinterpretationen anderer Klassiker wie „At Last“ von Etta James und „Don't Rain on My Parade“ von Barbra Streisand enthält ." Er wird seinen Jazzstil am 6. August auf die Bühne bringen, wenn er eine One-Night-Only-Show in seiner Heimatstadt im Frankie's Jazz Club in Vancouver, Kanada, aufführen wird.

Klicken Sie im Video oben auf „Play“, um Mathew Vs gefühlvolle Interpretation von Ray Charles‘ „Georgia on My Mind“ anzusehen, und schauen Sie noch einmal auf GRAMMY.com vorbei, um weitere neue Folgen von ReImagined zu sehen.

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Foto: Dutty Vanier

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Das Tribeca Film Festival findet vom 7. bis 13. Juni in verschiedenen Theatern in New York City statt und zeigt mehr als 20 spannende Musikfilme – von Kurzfilmen über Dokumentationen bis hin zu Biopics. Lesen Sie weiter für einige der aufregendsten Vorführungen des Festivals.

Das jährliche Tribeca Film Festival ist vollgepackt mit von der Kritik gefeierten Indie-Filmen, provokanten Kurzfilmen und bahnbrechenden Dokumentarfilmen – bei der Ausgabe 2023 steht Musik im Mittelpunkt vieler Kategorien.

Das Tribeca Film Festival findet vom 7. bis 13. Juni in verschiedenen Theatern in New York City statt und zeigt spannende Musikfilme aus allen Genres. Auf dem Festival gibt es mehr als 20 musikbezogene Vorführungen, darunter Kurzfilme und Musikvideos wie „Lizzo's Special“, außerdem Filme, die sich mit Subkulturen befassen, und aufschlussreiche Biografien über Gloria Gaynor, Cyndi Lauper, Carlos Santana, die Indigo Girls und Biz Markie.

Zu den Spielfilmen gehören „Lost Soulz“, ein Drama mit einem Lo-Fi-Hip-Hop-Soundtrack und dem Rapper Suave Sidle in der Hauptrolle; ein Konzertfilm über Taylor Macs musikalische Extravaganz, der drei Jahrzehnte amerikanischer Sozialgeschichte mit einem 22-köpfigen Orchester und einer Reihe besonderer Gäste präsentiert. Außerdem wird der legendäre Hip-Hop-Film „Wild Style“ gezeigt und ein spannender Bericht über die Kontroverse zwischen Milli Vanilli und Frank Farian, die letztendlich zum Untergang des Duos führte. Einige der vorgestellten Künstler werden im Anschluss an die Premiere ihrer Filme auch live auftreten.

Begleitend zum Filmprogramm gibt es Vorträge von Musikstars wie Chance the Rapper, Lin-Manual Miranda, Hailee Steinfeld und Diplo, die alle ihr individuelles Fachwissen und ihre Brancheneinblicke zum Ausdruck bringen, sowie Vorführungen von Musikvideos, darunter Lizzos Special und Lunarcodes The Light. In einer Musiklounge werden außerdem Auftritte von Tei Shi, Frost Children, LuNika, Habibi und Sussan Deyhim stattfinden.

Im Vorfeld des Festivals hat GRAMMY.com einige der aufregendsten Musikdokumentationen und Spielfilme zusammengestellt.

Dieser Dokumentarfilm feiert seine Weltpremiere bei Tribeca und führt uns hinter die Kulissen von Alicia Keys‘ Frauen-Songwriting-Camp She Is The Music. Unter der Regie der Emmy-preisgekrönten Filmemacherin Beth Aala untersucht dieser Film die Schwierigkeiten, als farbige Frau in die Musikindustrie einzudringen.

Keys fungiert als Mentorin, begleitet die Songwriter durch Live-Auftritte und intime Schreibsitzungen und spricht offen über die bevorstehenden Schwierigkeiten. Im Mittelpunkt dieser Dokumentation stehen jedoch die Teilnehmer des Camps, darunter die in Barbados geborene Ayoni und die in Atlanta geborene DaVionne.

Am Abend der Premiere werden einige Teilnehmer des Camps in einer von Alicia Keys kuratierten Show auftreten.

Die legendäre Disco-Sängerin Gloria Gaynor erzählt in diesem neuen Biopic ihre Lebensgeschichte und schildert dabei nicht nur ihre bahnbrechenden Erfolge, sondern auch ihre Schwierigkeiten auf dem Weg dorthin. Seit der Veröffentlichung des Liedes „I Will Survive“, das ihr einen Platz in den Geschichtsbüchern einbrachte, war Gaynors Leben von gesundheitlichen Problemen und ihrem missbräuchlichen Ex-Mann geprägt. Jetzt, im Alter von 76 Jahren, veröffentlicht sie ein neues Gospel-Album und wir dürfen mit dabei sein.

Gloria Gaynor selbst wird nach der Premiere der Dokumentation auftreten.

Als Jamaikaner in den 80er und 90er Jahren nach New York City auswanderten, brachten sie eine Reihe von Kulturen mit – von Musik und Tanz bis hin zu Essen und Sprache. Besonders hervorzuheben war der Import von Dancehall-Musik, einem Genre, das in der Stadt und schließlich im Rest des Landes und der Welt einen hohen Stellenwert erlangte.

In dieser Dokumentation hören wir die Geschichte des Dancehall, erzählt von einigen der bekanntesten Gesichter des Genres: Sean Paul, Shaggy, Ding Dong, Kool Herc und mehr. Neben ihren Anekdoten wird das Publikum nie zuvor gesehenes Archivmaterial sehen, um die Geschichte zu erzählen, wie Dancehall von Kingston zum Big Apple gelangte und wie es Generationen inspiriert hat, auch im Hip-Hop, der dieses Jahr sein 50-jähriges Jubiläum feiert.

Im Anschluss an die Premiere gibt es einen Auftritt von Dancehall-Legenden.

Dieser Spielfilm erzählt die Geschichte von Sol (gespielt von Rapper Suave Sidle), der sich einer Hip-Hop-Gruppe anschließt und durch Texas reist, in der Hoffnung, sich selbst zu finden. Er kreiert, produziert und tritt mit einer Truppe auf, die auch im echten Leben Rapper ist.

Während der größte Teil des Films aus Drehbüchern besteht, gab Regisseurin Katherine Propper den Schauspielern auch Freiheit und Raum zum Improvisieren. Untermalt mit einem Lo-Fi-Hip-Hop-Soundtrack entsteht ein Effekt von verschwommener Behaglichkeit und Momenten, die Sie überraschen. Bei Lost Soulz geht es darum, ein Zuhause zu finden, in welcher Form auch immer, und danach zu streben, seine Träume zu verwirklichen, ohne genau zu wissen, was sie sind.

Die Filmemacherin Alexandria Bombach verehrt die Indigo Girls seit ihrer frühen Teenagerzeit und ist Teil einer weltweiten Anhängerschaft, die sich von der befreienden Musik des Folk-Rock-Duos angezogen fühlt.

In dieser dokumentarischen Ode erzählen die Mitglieder Emily Saliers und Amy Ray ihre Erfolgsgeschichte, die sich über Jahrzehnte beeindruckender Auszeichnungen erstreckt, darunter den Verkauf von 15 Millionen Platten. Aber es zeigt auch die Schwierigkeiten auf, mit denen sie als Frauen und Lesben in einer frauenfeindlichen und homophoben Musikindustrie konfrontiert waren, und wie sich dies auf ihr weiteres Leben und ihre Arbeit auswirkte.

Wussten Sie, dass die amerikanische Nationalhymne auf einem alten britischen Lied basiert? In diesem Dokumentarfilm reisen die Musiker und Produzenten Kris Bowers und Dahi durch die USA, um herauszufinden, wie eine Nationalhymne klingen könnte, die von Amerikas reichhaltigem Musikgenre-Mix inspiriert ist.

Während sie das Land durchqueren, erkunden und diskutieren sie Motown in Detroit, Blues in Clarksdale, Country-Musik in Nashville, Jazz in New Orleans, Musik und Tanz der amerikanischen Ureinwohner in Tulsa und lateinamerikanische Musik in San Francisco. Mit all diesen Informationen, diesem Wissen und der Einbeziehung kultureller Expertise machten sie sich daran, eine neue Hymne aufzunehmen, die das Amerika von heute widerspiegeln soll.

Tierra Whack wurde im Alter von 15 Jahren berühmt, nachdem ein Video, in dem sie Freestyle-Rappen auf den Straßen von Philadelphia zeigte, Tausende von Aufrufen erzielte. Als sie zu einer festen Größe in der Rap-Welt wurde, wollte Regisseur Chris Moukarbel ihre Reise dokumentieren.

Er begann, bei ihren Konzerten und am Set ihrer Musikvideos zu filmen, um die Reise hinter die Kulissen festzuhalten. Eines Abends führte eine seltsame Interaktion mit einem Fan Tierra und ihr Team unwissentlich auf die Spur von Verschwörungstheorien über die Musikindustrie, die von einer kleinen Gruppe von Eliten betrieben wird. In dieser Pseudodokumentation sind wir gezwungen, alles zu hinterfragen: Was ist real, wer erzählt diese Geschichte und was sollen wir glauben?

Taylor Mac ist ein außergewöhnlicher, vielseitiger Künstler, zu dessen umfangreichem Theaterwerk diese komprimierte Version einer 24-Stunden-Musikdarbietung gehört, die im St. Ann's Warehouse in Brooklyn gedreht wurde. Es ist ein Versuch, Amerikas Musikgeschichte von 1776 bis heute zusammenzufassen. Taylor Mac ist der Star der Show, wird aber von einer Vielzahl anderer unglaublicher Interpreten, Künstler, Sänger, Musiker und mehr unterstützt. Eingefangen von den renommierten Filmemachern Rob Epstein und Jeffrey Friedman ist dies eine köstlich queere, glamouröse und ausgelassene Extravaganz.

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